Dans la série des groupes américains qui s’élancent à la conquête de l’Europe et de la France, un nom se fait de plus en plus entendre sur les ondes : FROM ASHES TO NEW. Avec un nouvel album proposant une concentration exceptionnelle de hits, « Reflections », le groupe mélangeant rock alternatif, rap et nu-metal continue d’ouvrir ses horizons et semble plus prêt que jamais à se lancer à la conquête de nos contrées. Relativement rares dans la presse du fait de leur agenda très chargé, nous avons tout de même pu obtenir une entrevue avec le chanteur et parolier principal, Danny Case, qui entre deux dates de la tournée américaine du groupe a accepté de répondre à nos questions.
« Reflections » est sorti il y a un peu plus d’un mois maintenant. Comment a été ces dernières semaines pour toi, et comment vois-tu l’ère qui se présente à vous maintenant ?
Danny Case : Ça a été incroyable ! Je pense qu’à chaque fois qu’un groupe sort un album, il le compare aux chiffres de la sortie de son album précédent, afin de jauger si oui ou non il a eu du succès. Et cet album a complètement explosé les chiffres de « Blackout », ce qui est dingue puisque « Blackout » était notre meilleur album à ce jour ! Donc ça a été génial ! On a vu une énorme augmentation de nos chiffres de streaming et sur les réseaux sociaux aussi. Et à chaque fois qu’on poste notre chanson "Die For You", elle semble encore plus performer, ça devient dingue ! On est vraiment enthousiaste pour cette ère du groupe, et ce n’est que le début.
C’est vrai que c’est l’album de votre discographie dont on m’a le plus parlé !
On en est très contents, car ça a pris beaucoup de travail, de temps et d’argent, donc on est plutôt contents de comment ça a tourné !
Cet album évoque dans ses paroles une réflexion entre ton état passé et ton nouvel état d’esprit, d’après ce que je comprends de ton post Instagram le jour de la sortie de l’album. Comment a été ton voyage à travers ce cycle d’album ?
Oui, je pense que chacun d’entre nous a eu un parcours légèrement différent en tant qu’individus. Le groupe lui-même a traversé de nombreuses choses aussi. On est allés en studio, on écrivait, on faisait des démos de tout ça, et on a pris un peu de recul dessus avant de réaliser que ça ne suffirait pas. On a donc effacé quelques chansons, et il y a eu beaucoup de discussions, de désaccords et de moments où on réécrivait des choses, et où on en jetait. Il y avait beaucoup de tumulte dans le processus. Le thème de l’album représente un peu sa propre création, durant laquelle il y a eu beaucoup de hauts et de bas. Il y avait de superbes moments, mais aussi de mauvais moments. Pour ma part, je suis très heureux dans ma vie personnelle depuis longtemps, mais je pense que dans ma vie professionnelle, j’étais devenu blasé, comme si j’avais attrapé un virus. Je m’étais habitué à faire partie de ce groupe, à être sur ces tournées, et à jouer devant beaucoup de fans, comme tous les musiciens au bout d’un moment, au point d’arrêter d’apprécier ce qu’ils ont professionnellement, et de devenir amer, ou aigri, ou de s’énerver à propos de plein de choses. Je pense que ça peut amener beaucoup de négativité dans le côté professionnel de la vie de quelqu’un. Donc, moi, je pense que j’étais devenu très ingrat tout au long du processus de création de cet album, et ce n’est que quand l’album était terminé que j’ai réalisé que j’étais sur mon propre chemin, qui arriverait à son court un jour. Il y aura un moment, un jour, tôt ou tard, où tout s’arrêtera, et où j’aurais fait mon dernier meet & greet, ma dernière interview et où j’aurai joué mon dernier festival, et mon dernier concert, ou enregistré ma dernière chanson… Et je souhaiterai le refaire ne serait-ce qu’une fois. Donc c’est avec cette mentalité que j’avance tous les jours maintenant, parce qu’il est trop facile de tomber dans ce manque de gratitude, et de devenir blasé et aigri, comme tant de musiciens. Je pense que c’est la raison pour laquelle beaucoup de groupes se disloquent. Ils n’ont pas de gratitude, et ils ne sont pas heureux de ce qu’ils ont, car ils sont trop habitués à l’avoir tout le temps. J’ai donc personnellement ancré dans mon esprit que ce que je fais est spécial, et pas normal, si tu vois ce que je veux dire. Je dois en apprécier chaque aspect, et ne pas le prendre pour acquis, parce qu’un jour, ça ne sera plus là !
Mais quelque part, ça reste un métier, avec ce que ça implique de besoin de relâcher la pression. J’imagine que c’est difficile de trouver le bon équilibre !
Oui, mais il faut aussi toujours y aller à fond, continuer à pousser et à se battre, tout en gardant à l’esprit qu’il faut être heureux avec ce qu’on a et ne pas le prendre pour acquis. Il ne faut pas se dire « Mince, j’étais au milieu de quelque chose et maintenant il faut que je fasse ce VIP, ou cette interview ! », ou quoi que ce soit. Ou se dire « Je dois jouer ce concert alors que je veux juste rentrer chez moi. ». Je ne vais plus me plaindre ni même entretenir l’idée de me plaindre de quoi que ce soit comme ça, car j’ai trouvé dans mon âme qu’un jour ça finira, et ce sera le jour le plus triste de ma vie. En attendant, je ne vais rien prendre pour acquis !
Je trouve que ça fait un peu écho à la couverture de l’album, où on voit un papillon très abîmé, mais aussi son reflet qui semble absolument parfait. J’imagine que le public ne voit pas les luttes intérieures que vous vivez, ni l’état d’esprit qu’il vous faut pour tourner !
C’est vrai que de l’extérieur ça peut sembler idyllique, et de mon point de vue actuel, ça peut l’être. Mais oui, il y a beaucoup de difficultés, comme pour tout dans la vie, et ça en vaut complètement la peine, tu sais ? Donc je prends tout avec gratitude désormais. Je le vois comme ma vie sur la route. Et je peux soit laisser ça me descendre, et me laisser être triste d’être loin de chez moi, et d’être sur la route, ou je peux prendre ça et souligner le plaisir qu’il y a dans ce boulot. J’ai la capacité d’être loin de ma femme, et qu’elle me manque, mais aussi d’enfin rentrer chez moi et d’extérioriser tout ça, d’être ensemble et d’avoir cette explosion d’émotions, qui est vraiment géniale ! Les choses sur lesquelles tu te concentres, et auxquelles tu fais attention, c’est ce qui va diriger ta vie. Donc au lieu d’être triste que ma femme me manque, et de vouloir simplement rentrer chez moi et ne plus jamais tourner, je regarde l’autre côté. C’est très facile de tomber là-dedans. Mais nous avons tous nos combats individuels, et je pense que c’est représenté dans cet album. Cet album parle de métamorphose, ça parle de traverser la vie, et c’est pour ça qu’on a choisi un papillon. J’aime beaucoup l’observation que tu as faite que ce papillon est plutôt abîmé, mais que son reflet semble parfait. Je pense que c’est quelque chose que nous avons tous l’opportunité de voir en nous-mêmes, quand on se regarde dans le miroir.
La dernière fois que j’ai échangé avec toi, on avait parlé de "Hope You’re Happy", du dernier album. Tu m’avais dit que vous en aviez marre en tant que groupe d’être mis dans une case, et qu’on vous dise quoi faire. Est-ce que cette situation a changé pour vous sur cet album ?
Oh oui ! On fait tout ce qu’on veut maintenant, et ça ne va pas changer. On a rendu très clair le fait qu’on fera toujours la musique qu’on veut faire, et qu’on fera toujours ce qu’on veut. Il y a encore des moments où on nous dit « S’il vous plaît les gars, faites ce truc. », et où on répond « OK, on va avoir confiance en vous et faire ça. », mais on aborde ça avec une bonne attitude. Je pense que le truc, c’est que par le passé, on nous demandait de faire des chansons comme ci ou comme ça, et on ne voulait simplement pas le faire. On trouvait ça malhonnête, si tu vois ce que je veux dire. Maintenant, on sait que si on nous force à faire quelque chose musicalement, ce n’est jamais une recette qui fonctionne. Mais on essaie de garder l’esprit ouvert tout en disant qu’on ne fera pas de compromis sur ce qu’on veut faire musicalement.
Est-ce que c’est en partie pour ça que cet album a eu une écriture mouvementée, avec, comme tu le disais, des morceaux qui ont dû être supprimés et d’autres refaits de zéro ?
Eh bien, je pense que la raison principale pour laquelle c’est arrivé, c’est qu’il y avait beaucoup de pression pour essayer de battre « Blackout », et on avait tous des idées un peu différentes de comment l’album devrait sonner. Au fil du temps, quand on travaille ensemble, il y a une très bonne expression qui illustre ce qu’on ressent : « La familiarité engendre le ressentiment ». Plus on connait quelqu’un, et plus on le connait depuis longtemps, plus on aura des "preuves" qui s’assemblent dans la tête contre cette personne. « Il ou elle a fait ça pour ça », ou « Il ou elle a dit ça pour cette raison »… Et on commence à assembler des mensonges dans sa tête qui ne sont souvent pas vrais, parce qu’on connait la personne depuis si longtemps et ça crée un jugement injuste l’un de l’autre. Je pense que l’une des choses que l’on a traversées, c’est qu’on se connait bien, on a été un groupe depuis huit ou neuf ans, et on a vu les tendances de chacun. On a vu le côté plus moche de la personnalité de chacun. Donc tu es dans la salle d’écriture, et tu veux vraiment entendre quelque chose, mais quelqu’un ne l’entend pas de cette manière, et entend autre chose, et on peut vraiment se prendre la tête. Donc le fait qu’on ait un peu galéré avec le processus d’écriture n’avait pas vraiment grand-chose à voir avec du bruit extérieur ou quoi que ce soit de cette nature. C’était complètement interne. On a réalisé à un moment qu’il fallait qu’on se concentre vraiment pour y arriver. Puis on a réussi à travailler comme une équipe, à nous assembler et à nous donner à fond, parce que « Blackout » est super. Si on pouvait juste réussir à créer un autre album qui pourrait dépasser ça, on pourrait vraiment changer nos vies, et la trajectoire du groupe. On n’avait donc pas vraiment de soucis avec le bruit extérieur, c’était principalement interne, et on cherchait juste comment vivre ensemble, travailler ensemble, réussir ensemble et grandir ensemble. Je pense qu’on a traversé l’enfer en tant que groupe, et parce qu’on est qui on est en tant que personnes, on a toujours trouvé un moyen de tenir. Ça nous a rendus plus forts que jamais, et on sait comment faire face à ces choses maintenant, pour l’avenir. J’ai l’impression que ce qu’on a traversé aurait brisé beaucoup de groupes, mais on ne voulait pas entendre parler d’abandon.
Où trouvez-vous l’énergie pour faire tout ça en tournant aussi intensément que vous le faites ? Car j’ai l’impression que vous jouez près de 200 concerts par an !
Quelque chose comme ça, oui. Tu sais, on trouve juste du temps quand on n’est pas en tournée, et on décide que ce sera le moment où on sera en studio. C’est le moment où on va y aller et le faire intégralement. On s’est juste assurés d’être le plus prêts possibles, ce qui n’était pas le cas, vu qu’on y est allés et qu’on a fait des chansons qui étaient nulles (rire). Puis on s’est dit « Les gars, il faut qu’on se concentre ! », et c’est ce qu’on a fini par faire. On a dégagé plus de temps pour le faire. En gros, on avait huit semaines, et au bout de la sixième, on a réalisé qu’on détestait tout ce qu’on avait fait. On pouvait donc soit paniquer et enregistrer ce qu’on n’aimait pas, en espérant que ça marche, ou sortir des chemins battus, doubler le temps de studio, et écrire un tout nouvel album. C’était un énorme saut de la foi, et un pari très risqué, mais ça a payé ! Ça a vraiment valu le coup, même si c’était vraiment difficile. On écrivait sur la route, on avait mis une petite installation à l’arrière du tourbus pour essayer d’écrire. C’est dire si on était sérieux sur le fait de vouloir en faire un encore meilleur album que « Blackout » ! Je pense vraiment que quand on veut, on peut ! Si on veut vraiment y arriver, on trouvera du temps. Donc même dans notre agenda très rempli, on a trouvé un moyen de le faire fonctionner.
Le résultat de ces sessions est un album profond et lourd à la fois musicalement et en termes de paroles, avec par exemple "Drag Me", qui est les deux à la fois. Est-ce que tu as l’impression que d’écrire des chansons très personnelles comme celles de cet album permet d’atteindre et d’émouvoir plus de monde que si tu écris quelque chose de plus vague et général ?
Oui, je pense que ça le peut. Je pense que les gens cherchent vraiment un sens aux paroles, peu importe ce qui est écrit. Il y a beaucoup de chansons qu’on écoute et pour lesquelles on se dit « De quoi est-ce que ça peut bien parler ? ». Mais je pense qu’il y a quelque chose de cool dans le fait d’être plus direct, et d’établir un message qui peut être facilement compris aussi. Je pense que d’écrire des choses personnelles permet de trouver de l’or pur, un vrai sens, et une vraie connexion avec la musique. Donc on a tendance à prendre le chemin de l’honnêteté et des textes personnels, en espérant que des gens s’y identifient. Parce qu’on pense vraiment que c’est notre force pour créer cette connexion avec le groupe. Je pense que les chansons où on dépasse vraiment nos limites sont celles sur lesquelles le public s’identifie le plus.
On sent aussi un effort pour rendre les chansons plus impactantes, comme "(Not) Psycho", "Drag Me", "New Disease" ou encore "Upside Down", qui ont vraiment un côté très puissant, à la Mick Gordon. Vous avez autoproduit l’album, en collaboration avec Atrium Audio. Quels ont été les efforts dans la production pour en faire votre album le plus heavy mais aussi le plus efficace ?
Eh bien, on est arrivés avec l’idée qu’on voulait vraiment aller à fond, et avoir un son aussi heavy que possible tout en étant cohérent. On ne voulait pas partir dans tous les sens, sans réfléchir, mais on a fait de notre mieux pour rendre les parties heavy impactantes et aussi puissantes que possible. Non seulement on avait des guitares accordées très bas, mais on avait aussi beaucoup d’effets sonores, et de sound design qui aidaient à rendre la musique impactante, avec de grandes montées qui faisaient presque sonner l’album comme une bande son de film. On avait d’ailleurs pas mal ri quand on a décomposé une chanson à l’ancienne, sur lequel on trouvait 30 et quelques pistes, sur l’album « The Future ». Puis on a décomposé une de nos chansons actuelles, et il y avait environ 120 pistes, parce qu’il y avait tellement de pistes individuelles partout pour aider à donner un impact encore plus grand à la musique ! Matt (Brandyberry, rappeur, claviériste, bassiste, guitariste... ndlr) et Lance (Dowdle, guitariste et bassiste, ndlr) ont passé ça en revue avec différentes bibliothèques de sons, pour chercher un moyen d’ajouter un truc en plus à l’album. On est donc allés à fond dedans, et on avait l’idée de rendre l’album heavy et puissant, et d’avoir un impact réel. On a fait beaucoup d’effort et passé beaucoup de temps à chercher des sons, et je pense que ça s’entend.
J’ai quelques chansons préférées sur l’album, et l’une d’elles est "Parasite", parce qu’on entend un peu derrière le chant un scream qui a l’air de représenter la douleur derrière la chanson, qui prend le dessus sur le break. De quoi parle cette chanson, et comment avez-vous fait ce choix de production plutôt original ?
Oui, il y a quelques chansons sur ce genre de chose. Sur cet album, on s’est demandé comment dépeindre ça d’une différente manière, ou en parler différemment. Et quand "Parasite" nous est venue, on est allés dans le studio, on a commencé à écrire, et on avait une ambiance plutôt cool, et on avait trouvé ce son qu’on n’avait pas encore vraiment exploré. Au niveau des paroles, ça ne parle pas de quelqu’un en particulier, je pense que c’est quelque chose auquel tout le monde peut s’identifier. Ça parle du fait d’avoir quelqu’un qu’il ne vaut mieux pas avoir dans sa vie, mais aussi du sentiment de ne pas pouvoir s’en éloigner. Généralement ça arrive dans une relation où on se dit « Cette personne n’est pas bonne pour moi, mais je ne peux pas m’empêcher d’être avec elle. », et on se demande si on devrait la quitter ou rester avec elle. On a l’impression de ne pas pouvoir s’enfuir ! On a écrit à propos de ça quelques fois, et je pense que cette fois, on a pu l’aborder sous un angle différent, à la fois au niveau du son et des paroles. Et c’est une chanson vraiment cool ! J’aime bien entendre les gens parler de leurs chansons préférées. Moi, ce n’est pas une de mes préférées, mais j’ai remarqué que sur cet album, les gens citent un peu de toutes les chansons. Je pense que c’est un signe qu’on a vraiment fait du bon boulot sur l’album ! Quand on demande à nos VIP, il y a généralement neuf ou dix réponses différentes, sur un album qui compte douze chansons, ce qui est génial ! J’adore quand les gens citent une chanson que je n’aime pas forcément autant qu’eux, parce que ça confirme qu’il y a différentes manières de faire les choses, et que des personnes différentes vont aimer des choses différentes.
Une autre chanson que j’ai trouvée particulièrement intéressante était "Your Ghost", la dernière, qui semble être l’une des plus personnelles sur le disque, et l’une des plus sombres. Peux-tu me parler de l’histoire de cette chanson très intense ?
Oui, elle a commencé par la partie de guitare de l’intro, que Lance avait. Et au moment où on l’a écrite, Matt venait d’avoir un fils, qui a maintenant deux ans je crois. Il voulait écrire une chanson presque comme des excuses sur le fait de ne pas être aussi présent qu’il ne devrait, parce qu’on est en tournée, car on est très souvent loin de chez nous. Il travaillait sur le couplet, et j’avais une idée de refrain, et je lui ai dit que ça pourrait être notre chanson sur le fait d’être loin de chez nous, ce qu’il avait déjà un peu prévu. Pour moi, elle parle d’être loin de ma femme. Quand je travaillais sur les paroles du refrain, qui ont un peu changé depuis, j’avais cette idée de dire « à chaque fois que je te laisse partir, ça fait plus mal que tu ne le sauras jamais. » Et je me souviens qu’en l’écrivant, pendant qu’on travaillait dessus, je me suis senti monter les larmes aux yeux, ce qui m’a fait réaliser qu’elle allait être puissante. Donc la chanson en général parle du manque de nos proches, d’être loin d’eux et de ne pas pouvoir être avec eux, qu’ils soient loin, qu’on soit loin, qu’on soit au boulot tout le temps, ou pour quelque raison que ce soit. Et il y a un sous-texte que j’aime bien raconter, c’est que mon film préféré est Interstellar. Et dans ce film, le personnage principal, Cooper, met en colère sa fille en partant, et il dit cette phrase dans le film : « Je ne veux pas être ton fantôme. » C’est de là que vient le titre, il a été inspiré par ce film. Il ne veut pas être son fantôme, mais c’est ce qui finit un peu par arriver. Et je me suis dit « Pourquoi ne pas aller plus loin ? » On a donc écouté la bande son, et il y a ce morceau iconique de Hans Zimmer qui s’appelle "Time". On s’est dit « Essayons d’adapter ce passage, et de l’intégrer dans le morceau. » Donc sur le dernier refrain, il y a beaucoup de rappels du thème de Interstellar musicalement. C’est ce qui se passe en fond ! Et en plus, le fils de Matt s’appelle Cooper ! Tout ça a donc donné cette histoire de dingue. C’était fou d’écrire une chanson, puis d’avoir une idée folle d’utiliser une phrase du film comme paroles, en disant qu’on ne veut pas être le fantôme de la vie de nos familles, parce qu’on n’est jamais là, puis de joindre Interstellar à la chanson, et que le fils de Matt s’appelle Cooper en plus… C’est une histoire tellement cool ! Et je pense que c’est aussi pourquoi beaucoup de monde s’identifie beaucoup à la chanson, en particulier Matt. On est vraiment liés à l’idée d’être loin de chez nous. C’est une de mes chansons préférées de l’album, et on en est très fiers !
J’ai l’impression que l’industrie musicale a tendance à pousser un peu trop les groupes en tournée. J’ai parlé à quelques groupes et beaucoup commencent à vivre un genre de burnout, après avoir trop tourné…
Je pense que c’est là que la gratitude entre en scène. Je pense que quelque part, j’étais pas mal cramé de tout ce qui avait à voir avec le groupe, que ce soit la tournée, l’écriture, les VIP, les interviews, etc. Et je pense que beaucoup de groupe pourraient s’épargner du burnout s’ils se perfectionnent, et se concentrent sur le fait d’être reconnaissant pour tout ça. Cependant, ça ne veut pas dire qu’on ne peut pas arriver à un moment où on a vraiment besoin de rentrer chez soi, voir ses enfants, sa femme, sa famille, etc. Mais avoir la mentalité et la perspective d’être dans la gratitude aide vraiment à solidifier l’esprit, et à se protéger. J’y ai réfléchi récemment : je ne suis pas rentré chez moi depuis la troisième semaine de mars, et on est fin mai au moment de cette interview ! Bien sûr je me suis assuré de voir un peu ma femme par ci par là, par exemple quand on devait partir pour l’Europe, j’ai pris du temps pour rentrer chez moi une journée, en conduisant environ quatre heures, donc huit pour l’aller-retour, et je suis retourné avec les gars et on est partis en Europe pendant trois semaines. On est revenus, je suis rentré chez moi quatre jours, et on est repartis en tournée, puis elle est venue quelques jours au milieu de la tournée. Donc tout ça a certainement aidé, mais je pense que d’avoir une mentalité de gratitude pour ce qu’on a, de voir le positif, et de se souvenir de pourquoi on a commencé ça, et qu’on adore ça, et qu’on s’amuse en le faisant… Est-ce que l’industrie pousse un peu trop les groupes, ou est-ce que les groupes se poussent eux-mêmes un peu trop ? Peut-être. Mais je pense que beaucoup de groupes pensent que si tu n’es pas en train de pousser, tu pourris. Je pense que de tenter de continuer à pousser ce rocher en haut de la montagne et d’aller plus loin est très important. Parfois il y a un déséquilibre qui se crée entre le fait d’être loin de chez soi, de travailler trop et de jouer trop de concerts, et le fait de se resourcer chez soi. Mais au final, je pense qu’on peut se protéger soi-même, et s’épargner une partie de ce chagrin en étant reconnaissant de ce qu’on a. Et ça ne s’applique pas qu’aux groupes, ça s’applique à tout ce qu’on a dans la vie. Même si on est loin de chez nous, on est tous dans un vraiment bon état d’esprit ! On a tous nos moments, mais on se concentre sur le meilleur, et on se souvient de pourquoi on fait ça. On fait ça pour l’amour de la musique, pour le groupe, et en sachant qu’on va rentrer et voir nos familles !
Quelle chanson de l’album correspond le mieux à ton humeur aujourd’hui ?
Je pense que je vais partir sur "Your Ghost". On est sur la dernière semaine de la tournée, donc mon cerveau est concentré sur : « Oh mon dieu, dans une semaine je pourrai rentrer chez moi, voir ma femme, dormir dans le même lit qu’elle et la tenir dans mes bras ! »
Vous avez joué en Europe il y a quelques semaines, mais il n’y a pas eu de concert en France. Va-t-on enfin pouvoir vous voir en 2027 ?
C’est l’idée, mec ! Tu sais, la raison pour laquelle on a fait cette petite tournée en Europe, c’était pour poser les fondations et établir des bases saines pour revenir en faire plus. Et puis, la tournée était complète, ce qui était super ! C’est tout ce qu’on pouvait demander ! C’était très triste qu’on n’aie pas eu le temps de faire la France. Quand on prend du recul, on se dit qu’on avait une journée de libre, et qu’on aurait pu jouer en France si on avait vraiment poussé, mais on ne gère pas vraiment le côté "booking" des choses. Peut-être était-ce une question de disponibilité des salles ? Pour Cologne, on sait qu’on a eu du mal à trouver une salle, et le concert était complet en cinq minutes, donc on a voulu agrandir, mais on n’a pas pu car il n’y avait pas d’autre salle de libre. Mais je sais que nos fans parisiens étaient très tristes. Quelqu’un est venu aux autres concerts, cependant, ce qui était cool ! Mais l’idée, c’était de montrer à l’Europe de quoi on était capables pour pouvoir mieux revenir ! On va au moins venir faire tous les festivals de l’été l’année prochaine, et faire quelques concerts en tête d’affiche, donc je pense que ça va venir en été 2027 !
