BLIND CHANNEL

Désormais cinq ans après son passage à l’Eurovision, qui a changé pour toujours sa trajectoire, le groupe finlandais BLIND CHANNEL continue de construire sa carrière pierre par pierre. Celle qui nous intéresse aujourd’hui est leur sixième album studio, « Painstream », créé dans la douleur du départ de Joel Hokka du groupe, mais aussi dans un esprit de renouveau pour le reste du groupe, plus uni que jamais, qui se prépare à faire de nouveau face au monde entier. Nous avons pu échanger avec le chanteur Niko Moilanen, désormais seul à ce poste, afin d’évoquer la création de ce disque charnière pour le jeune groupe, mais aussi sa vision du monde et de l’avenir de BLIND CHANNEL.
 

« Painstream » est sorti le 30 octobre, et son titre joue sur le fait que tout le monde ressent de la douleur, ce qui veut dire qu’elle est "mainstream". Mais penses-tu que ce fait est autant évoqué qu’il le devrait dans la musique "mainstream" ?
Niko Moilanen : Wow, super question ! Pour commencer, je ne sais pas trop en réalité. Il y a parfois des groupes, et des chansons qui en parlent. Je pense que c’était le cas quand on grandissait, mais je pense que le "mainstream" était un peu différent. MY CHEMICAL ROMANCE étaient énormes, idem pour LINKIN PARK, c’étaient les groupes qui en parlaient et qui étaient "mainstream" quand on grandissait. Maintenant il y a peut-être une ambiance différente. Il y avait la scène emo, dont je faisais partie et dont j’espère faire encore partie, et je pense que ce genre de messages s’est un peu transféré à la musique hip hop, et à des trucs comme TWENTY ONE PILOTS, ou à ce genre d’artistes, voire à des rappeurs "mainstream" qui parlent de choses très émotives. Donc oui, je pense que c’est un changement qui est naturel, et que la douleur sera toujours là, tout comme le monde. On ne manquera pas d’artistes tourmentés qui essaient de trouver un sens à ce qui leur arrive, et qui versent leur douleur dans leurs chansons. J’adore cette question, je n’y avais jamais réfléchi, mais ma réponse, c’est que je ne m’inquiète pas trop. Il y a une représentation de la douleur dans le "mainstream" aussi.

Cet album est un tournant pour BLIND CHANNEL, et ouvre une nouvelle ère pour vous, alors que vous aviez fait une pause depuis 2024. Comment étaient ces deux années pour vous, et quelle a été l’étincelle qui a rallumé BLIND CHANNEL ?
Eh bien, je voudrais souligner que nous avions pris une pause purement pour des raisons musicales. A un moment, quand on allait en studio, on a commencé à se dire « Allez, encore une chanson... » On sait comment faire ces chansons, mais la musique ne devrait jamais être ressentie comme cela. On veut que chaque chanson soit un voyage, une aventure et une manière de se mettre au défi et de découvrir quelque chose de nouveau à propos de soi, de l’art ou du monde, ce genre de choses. On avait donc vraiment besoin à l’époque de récupérer ce sentiment d’exploration, et de refaire les choses de manière joueuse. Il fallait qu’on commence à nouveau à jouer avec des trucs débiles. On ne peut pas vraiment faire ça quand on a une deadline, parce qu’il faut sortir un single par ici, un album par-là, parce qu’une tournée s’apprête à commencer, etc. Il fallait donc qu’on se débarrasse de toutes ces deadlines. Il n’y en avait pas quand nous avons commencé notre pause. C’était la règle principale, même s’il fallait attendre cinq ou dix ans. Ça aurait tout gâché, parce qu’on aurait commencé à travailler pour atteindre cette deadline ! Mais on a simplement recommencé à jouer ensemble, et à retrouver l’inspiration. C’était vraiment étrange, avec les années on a essayé de nouvelles choses, ajouté de nouveaux styles, etc., mais pour cet album, on avait l’impression de retirer des choses. On enlevait des choses pour arriver à trouver l’essence de qui nous sommes aujourd’hui. Je ne dénigre pas nos albums précédents, je les aime tous, et tout le groupe les aime toujours. On va continuer à les jouer en live, mais c’était juste naturel. Ce qu’on avait fait avec l’album précédent était authentique à l’époque, mais on voulait trouver ce qui était authentique maintenant, car nous sommes le genre de groupe et le genre de personnes qui grandissent continuellement, et dont les chansons reflètent vraiment les émotions. C’est très thérapeutique pour nous. Pour retrouver ce genre d’ambiance, la musique allait évoluer de toute façon. J’ai une manière assez marrante de le dire : nous n’avons jamais fait d’album comme « Painstream » auparavant, et nous ne referons jamais un album comme « Painstream » (rire) ! Il nous représente maintenant, à cet instant, nous cinq. C’est l’album qu’il fallait qu’on fasse, et c’est ce qui le rend beau. Si on commençait à le réécrire aujourd’hui, il serait déjà différent. Mais il nous représente bien pendant ces 20 mois que nous avons passé dans l’ombre à le créer ! C’est ce qui le rend aussi significatif. Je sais que dans 10 ou 20 ans, quand on réécoutera cet album, ce sera comme prendre une machine à remonter le temps, ou une photo de BLIND CHANNEL à cet instant.

C’est aussi une photo du monde à cet instant, j’ai l’impression. Vous prenez position sur de nombreux sujets sur ce disque, comme la politique ou l’écologie sur "Into The Void". J’ai aussi lu que vous souhaitiez que chaque chanson soit le plus fidèle possible à vos convictions à tous les cinq. Cet aspect politique représente-t-il une part importante de BLIND CHANNEL pour vous ?
Oui, ça nous semblait important maintenant. Peut-être que c’est étrange, mais notre approche des paroles était presque nihiliste auparavant. On se disait que le monde brûlait, et qu’on allait tous mourir, donc qu’on emmerdait tout, et que rien n’importait. On voulait faire la fête, ce genre de choses. C’était authentique à l’époque, quand nous étions dans notre vingtaine, et qu’on avait nos premiers succès, etc. Mais je pense que maintenant, après nous être vraiment arrêtés, avoir passé du temps ensemble et avec nos proches, on a eu des conversations très profondes et importantes, et on a vraiment eu le temps d’observer le monde autour de nous. Ça nous semblait vraiment important d’apporter un sens à ces chansons. Il faut qu’il y ait une raison pour écrire une chanson, et pour la sortir. On se demandait « OK, pourquoi sortir cette chanson maintenant ? » On voulait vraiment puiser dans ce genre d’idées qui représentent la réalité, ou en tout cas notre perspective. Pas seulement notre point de vue sur la politique, mais aussi sur tout ce qui se passe, sur la fragilité humaine et le destin de notre planète en général. Je pense qu’il y a une saveur étrange mélangeant le destin et l’espoir sur l’album aussi. Ce sont aussi des sujets difficiles, on s’est demandé si on croit en quelque chose, que ce soit Dieu ou non, en un meilleur lendemain, en la gentillesse ou quoi que ce soit… Tous ces sujets ont été abordés lors de longues conversations qu’on a eues en studio. Elles ont commencé simplement en parlant de choses et d’autres, et je pense que pour nous c’était vraiment le prochain chapitre, et probablement tous ceux qui vont suivre. On a eu cette étrange impression où on voulait avoir une raison d’écrire une chanson, et une raison pour la sortir. Ça a une grande importance pour nous.

La nature de nouveau départ de cet album vous a-t-elle poussés à changer les choses dans votre manière d’enregistrer ?
Je pense qu’on a vraiment creusé profondément dans notre identité en tant que musiciens, quand on a enregistré. J’ai pris une approche très versatile au niveau de la voix, que je visualisais presque au moment d’écrire les paroles. Je savais quelle phrase devrait être criée, et laquelle devrait être chantée pour laisser passer les émotions. Je pense que c’était pareil pour les gars au niveau des instruments. Je pense qu’on s’est plus appuyés sur le côté heavy, ce qui était marrant, parce que je pense que "Diana" était la première chanson qui nous a semblée naturelle. Puis tout le monde dans la pièce a dit qu’on voulait faire des chansons heavy comme celle-ci ! Je savais que je le voulais aussi, et en réalité tout le monde voulait faire des chansons plus heavy, alors qu’on pensait chacun dans notre coin que personne ne voudrait le faire. Ce genre de choses est beaucoup arrivé, et du coup c’était très naturel. Ça représentait bien où nous voulions tous aller. C’est un peu plus heavy et sombre, et on a toujours visé à créer des sons un peu cinématiques, qui sembleraient "grands", donc on a exploré cet aspect aussi. Et d’ailleurs, je pense qu’il y a le thème étrange dans l’album de la petitesse et de la fragilité des êtres humains. On voulait faire sonner les chansons si énormes qu’on se sent presque petit en les écoutant. C’était l’un des choix artistiques derrière la production. Ce qui est magnifique, c’est que tout est là pour une raison ! Rien n’est arrivé par accident. Tout ce qui est sur l’album est le résultat de longues conversations, et de réflexions personnelles.

On le ressent pas mal, effectivement, sur "Me Versus Me", l’une des chansons les plus lourdes de l’album, tant au niveau du thème que du son. Peux-tu m’en parler ?
Oui, carrément ! Elle est arrivée très tôt dans le processus. On avait la démo, mais on voulait attendre que ça fonctionne vraiment, parce qu’elle a ce côté rythmique qui est très metal. Et quand on a commencé à se dire que ça sonnait metal, on a commencé à rapper dessus. C’est le genre d’idées marrantes qu’on a eues, on voulait essayer des choses. Initialement, on se dit que ça ne va pas marcher, mais comme on avait le temps de tenter tout ça, et d’accomplir ce qu’on voulait, soudainement c’est devenu quelque chose de vraiment spécial. Je crois qu’on écoutait pas mal de YELAWOLF à un moment, quand on a écrit cette chanson, pour trouver les bons mots. Cette chanson sera dingue en live aussi ! Les rythmes sont vraiment puissants, et elle est vraiment faite pour faire chanter le public ! Et comme toujours, quand j’enregistre les paroles, j’ai un petit miroir. Je me regardais dans le miroir, et je chantais à moi-même pour réussir à trouver le bon feeling, et ces chansons sont vraiment fun ! Quand on peut être dur avec soi-même, qu’est-ce qu’on voudrait pouvoir se dire ? C’est un bon défi à relever, même si on est probablement plus dur avec soi-même qu’avec les autres. Ce sont ces idées qui m’ont aidé à trouver la bonne dose d’agressivité, je dirais. Je ne pense pas qu’il y ait autant d’agressivité sur les autres chansons que "Me Versus Me". C’est une chanson vraiment cool, qui rend bien en live ! Elle lance pas mal de mosh pits (rire) !

Un peu plus tôt nous avions mentionné "Diana", et je tiens à souligner ta performance vocale sur le refrain !
Merci beaucoup ! J’ai beaucoup répété. Je sais faire ça depuis quelques années maintenant, mais je m’améliore constamment. Mais je pense que je manquais d’espace pour utiliser ça, même si je le faisais en live parfois. Peut-être qu’on n’avait pas le bon type de chanson… On avait la démo de "Diana", et initialement, on s’est dit que c’était beaucoup trop aigu pour le chanter, et qu’il fallait que je prenne l’octave en dessous, mais j’ai essayé avec ce cri mélodique, un peu grâce à cet état d’esprit d’exploration et de jeu que nous avions, et ça a donné ça. J’en suis très content, et je suis fier en tant que chanteur d’avoir ce côté un peu caméléon, car je m’identifie plus comme auteur-compositeur que comme chanteur. Mon chant est toujours basé sur mon écriture. Je n’ai commencé à chanter que parce que j’écrivais des chansons sans avoir quelqu’un pour les chanter, donc je me suis dit que ce quelqu’un, ce serait moi. Quand les chansons avaient des passages rappés, j’apprenais à rapper. Pareil pour le scream, j’ai dû l’apprendre, et ainsi de suite. J’avais vu une vieille vidéo de LINKIN PARK où Chester Bennington chantait comme ça, puis j’ai découvert ARCHITECTS, et j’ai vu Sam Carter screamer comme ça. Je ne savais pas ce que c’était, mais il fallait que je l’apprenne tout de suite ! Je suis vraiment heureux d’avoir pu utiliser cette technique sur l’album !

La chanson "Into The Void", par ailleurs, offre une réflexion sur le vide de l’espace, le WOW! Signal, le paradoxe de Fermi, et les questionnements de Blaise Pascal sur « le silence éternel de ces espaces infinis. » Cette chanson parle entre les lignes du fait que nous sommes en train de détruire notre planète en ce moment-même. Comment était le travail avec Aaron Pauley de OF MICE & MEN pour arriver à cette chanson aussi engagée que réussie ?
C’était si bon ! On a rencontré Aaron quelques fois quand nous jouions dans les mêmes festivals aux Etats-Unis, puis on a eu quelques réunions avec lui. Et il est vraiment super sympa ! Il est si talentueux, et on a eu des conversations très cool et profondes sur la musique et le fait de jouer en live. Je suis très perfectionniste au niveau du chant, et je veux toujours réussir, mais il m’a apporté un côté humain. Quand je m’apprêtais à monter sur scène, j’étais toujours très stressé. Soit parce qu’on avait eu un long vol en avion, soit parce que j’étais malade… Ce genre de choses, et je me demandais comment j’allais y arriver. Et il a dit quelque chose du genre « Il y a beaucoup de fans dans le public, et ils connaissent les chansons, tu dois juste les guider à travers elles, pour qu’ils sachent quoi faire. » Et ça m’a soigné totalement ! Il m’a donné beaucoup de confiance en moi. On travaille dans l’art de la performance, on ne devrait donc peut-être pas viser la perfection, mais l’humanité, le lien avec les fans, et ce genre de choses. J’y réfléchis souvent. On a vraiment des conversations profondes, avec lui ! Et je crois qu’on avait toute la tracklist de l’album quand il est arrivé, on savait lesquelles allaient être dessus, même si on ne les avait pas encore enregistrées. On avait les démos, et "Into The Void" était la seule à laquelle il manquait quelque chose. On l’écouté, et on a remarqué que cette chanson avait un thème énorme autour du paradoxe de Fermi, le WOW Signal et le destin de la planète. On a donc ressenti qu’il fallait une autre voix. On s’est ensuite demandé qui pourrait le faire, et un des gars a dit qu’Aaron y arriverait sûrement. Donc on lui a envoyé un message avec la chanson, pour lui demander d’y jeter une oreille, et il a adoré. On lui a alors demandé s’il voulait y participer, et on a pu la finir ensemble. C’était énorme pour nous, car OF MICE & MEN sont vraiment des pionniers de la scène dont nous faisons actuellement partie ! C’était vraiment une collaboration spéciale.

Je me doute qu’une partie de l’album a été inspirée par les deux dernières années, et le départ de Joel Hokka du groupe. J’imagine que ça a été difficile pour vous, après autant d’années…
Oui, ce sont toujours des conversations difficiles pour tout le monde. Les séparations sont toujours douloureuses. Ce n’était pas une décision facile, et personne ne fait ça pour s’amuser, mais on en parlait depuis longtemps. On en parlait avant-même la pause. C’était comme un mariage malheureux, et quand la pause a commencé, soudainement, on a eu ce sentiment que pour que nous soyons tous heureux, il fallait que ça se passe comme ça. Je pense que maintenant que du temps a passé et que la poussière est un peu retombée, c’était encore plus sûr que c’était la meilleure décision pour tout le monde de faire ça. Chacun peut être lui-même, chacun peut faire son propre truc. Mais ce sont toujours des moments difficiles, effectivement. Il y a tant d’émotions qui se mélangent… Mais on a essayé de le gérer en adultes, et d’en discuter autant de fois qu’il le fallait pour que ce soit fait de la bonne manière, parce qu’on respecte encore toutes ces années que nous avons passées ensemble dans le groupe, tu vois ?

Effectivement, je suis heureux de savoir que ça s’est fait dans l’intérêt général ! Pour revenir un peu à l’album, il se finit sur un code Morse assez mystérieux. Que veut-il dire, vu que tu disais plus tôt que rien n’est là par hasard ?
On a toujours fait ça, et on l’a fait sur tous nos autres albums (rire) ! Je crois que sur tous nos albums, il y a ces petites pièces de puzzle, ou ces petits indices pour l’auditeur, et si on résout les énigmes, il y a des surprises et des indices sur la direction que nous allons prendre par la suite pour notre prochain chapitre musical, ce genre de choses. Car quand on commence à enregistrer un album, on commence déjà à avoir une idée de ce que nous voulons faire ensuite, donc on met ces indices dans l’album pour donner un thème ou une direction musicale, quelque chose comme ça. Mais je ne suis pas sûr que nos fans les aient trouvés jusque là (rire) ! On les cache un peu trop bien peut-être (rire) ! Mais maintenant qu’il y a ce code en Morse, si quelqu’un veut essayer de le résoudre, il ou elle trouvera peut-être quelque chose de spécial, ou une révélation sur les coulisses de BLIND CHANNEL…

Quelle chanson de l’album correspondrait le mieux à ton humeur à cet instant ?
Bonne question ! Je passe un bon vendredi soir. Ça a été une longue semaine, donc il aurait fallu une chanson heureuse, mais il n’y en a pas vraiment sur l’album (rire) ! "Into The Void" est sombre, mais je l’ai beaucoup écoutée, comme elle vient de sortir. On a une belle soirée d’automne, ici en Finlande, et on peut voir les étoiles dans le ciel, donc une chanson un peu spatiale irait bien avec ce moment précis.

Vous jouerez en février à Paris, à la Maroquinerie, dans une salle un peu plus petite que la dernière fois (BLIND CHANNEL ayant joué à La Machine du Moulin Rouge en 2024, ndlr). Vouliez-vous prendre un nouveau départ, en jouant dans des clubs et en voyant les gens de plus près ?
Je ne savais même pas que c’était plus petit. Je suis très mauvais pour retenir les noms de salles, et encore pire pour els dates (rire) ! Généralement je m’en souviens quand on arrive si on y a joué ou non. Donc je ne pourrais pas répondre. Cependant, je dois dire qu’on fait beaucoup de concerts en club, et on aime ce sentiment intense quand on le fait, car on en a beaucoup fait quand on débutait. Quand on joue dans de plus grandes salles, comme on va le faire à partir de novembre, la production est plus cool, mais le lien avec le public est un peu plus difficile à établir car ils sont plus loin, et plutôt éblouis par toute la production et toutes les lumières ! C’est très beau, j’aime beaucoup les tournées. Et aux Etats-Unis, on joue sur de toutes petites scènes, ce qui nous ramène régulièrement à nos débuts. Il faut vraiment convaincre le public, pour créer cette fête très intense et pleine de sueur ! Et j’ai très hâte de jouer à Paris ! C’est une magnifique ville et c’est toujours bon d’y revenir.

Que penses-tu de votre public français, d’ailleurs ?
Si je me souviens bien, on avait joué juste à côté du Moulin Rouge la dernière fois (effectivement, ndlr). Et c’était une salle plutôt intime aussi, on s’était dit « voyons ce que ça va donner » quand on est arrivés, car on n’en avait aucune idée ! C’est d’ailleurs ce qui est génial avec les concerts : personne ne sait jamais ce qui va s’y passer ! Et finalement, c’était l’un des meilleurs concerts de la tournée. Tout le monde se donnait comme des fous, c’était génial ! J’espère avoir le temps de me promener dans la ville aussi la prochaine fois. On a essayé de le faire, mais il a fallu attendre la pause pour que je vienne à Paris avec l’un de mes amis proches, afin de visiter la ville sans avoir la pression d’un agenda à suivre, avec les balances, le meet & greet et ce genre de choses. Donc j’espère vraiment pouvoir visiter un peu !
 

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