Parmi les groupes de prog appréciés des métalleux, THE PINEAPPLE THIEF figure en bonne position. La formation britannique peut en effet se montrer particulièrement percutante, sur disque comme en live. Et encore plus depuis le recrutement, en 2016, du batteur Gavin Harrison, passé par PORCUPINE TREE et KING CRIMSON, qui a tiré la formation vers le haut. Grâce à un line-up enfin stabilisé, comprenant le bassiste Jon Sykes et le claviériste Steve Kitch, le patron et fondateur, le chanteur et guitariste Bruce Soord, maintient une cadence infernale, avec un album tous les deux ans, et des tournées qui visitent régulièrement la France. THE PINEAPPLE THIEF donnera d’ailleurs 5 concerts dans notre pays en mars l’année prochaine (Rennes, Toulouse, Lyon, Paris et Strasbourg), fort d’un nouveau disque « Far And Wide », le 16e depuis 1999, très représentatif de ce qu’est le groupe aujourd’hui : un rock prog qui évite les pièces trop longues pour privilégier les mélodies et les refrains, et se permet quelques belles embardées électriques, comme sur « New World Order », « Hold The Ashes » ou « God Knows ». Quel que soit le morceau, reste une constante : d’excellentes parties rythmiques, des paroles qui valent le coup d’être écoutées et lues en ces temps pour le moins troublés, et un peu plus de solos de guitare que par le passé. Joint par Zoom, le toujours affable Bruce Soord nous a expliqué où son groupe en était, et fait preuve à la fois de désenchantement, mais aussi d’espoir, vis-à-vis de l’état du monde.
Est-ce qu’on peut dire que THE PINEAPPLE THIEF constitue un bon symbole de la ponctualité britannique ? Tous les deux ans, quoi qu’il advienne, nous avons droit à un nouvel album studio…
Bruce Soord : Oui, je crois que je suis pris dans un cycle depuis bien longtemps. Un album, une tournée, et tu te dis, mon Dieu, je n’ai plus envie de continuer comme ça. Et après six mois, tu réalises qu’il est temps que tu te mettes à composer. Et c’est reparti pour un tour. Mais nous essayons de nous engager dans un autre type de cycle. Nous composons, nous en parlons, nous finissons la tournée, et nous nous remettons au travail. J’espère que ce sera notre mode opératoire à l’avenir.
Tu repars de zéro à chaque fois ? Tu ne conserves pas d’idées inutilisées ou que tu n’as pas réussi à finaliser ?
Non, on repart toujours de zéro, c’est ce que nous préférons. Surtout si tu considères la manière dont j’écris : je m’inspire du monde tel que je le vois, des expériences que je vis, et la situation peut rapidement changer. Cependant, pour l’album précédent, il me semble qu’on a récupéré du matériel laissé de côté, mais on l’a utilisé pour en faire un EP. Après, c’est vrai que le pire des moments, c’est quand tu te dis, « il faut que je m’y mette », et que tu n’as rien sous le coude ! Heureusement, ça devient vite plus fun quand tu te mets au boulot. Composer un disque, c’est vraiment beaucoup de travail !
Mais rasssure-moi, vous n’arrivez pas les mains vides en studio ?
Non. Pour cet album, nous avons passé quelque chose comme 12 ou 18 mois à écrire. Mais je me souviens qu’au tout début, je n’avais littéralement rien en tête. Je suis allé chez Gavin, on s’est assis, il a commencé à jouer les parties de batterie de ce qui allait devenir « New World Order », et il m’a demandé ce que j’en pensais. D’habitude, mon approche est de composer, d’avoir des idées et de les envoyer aux autres, et la sauce commence à prendre. Mais cette fois, nous avons adopté une attitude très années 70. Nous nous sommes tous rendus chez Gavin, tout le monde dans la même pièce, et les échanges ont débuté. L’opposé de la méthode moderne, où chacun travaille à distance depuis chez lui.
Vous avez donc commencé par la musique, et tu as écrit les paroles ensuite ?
Je sais toujours de quoi les chansons vont parler. J’ai toujours une phrase dans le coin de la tête, une accroche, un refrain, par exemple « God Know », ou « New World Order ». Et dès que je commence à jouer, les pièces du puzzle se mettent en place. Mais les paroles, c’est vraiment la partie la plus difficile du processus créatif. Jusqu’à la fin, tu n’es pas sûr d’avoir utilisé les bons mots, que ceux-ci viennent naturellement. Il n’y a que quand tu les chantes que tu sens s’il existe une connexion, ou pas.
Ta maison de disques parle, à propos de ce nouvel album, d’une « collection abstraite de sentiments sur l’état du monde puisant dans les expériences humaines ». Ce n’est pas un peu ambitieux ?
(rires) Ce n’est pas impossible ! Ce disque, c’est juste ma tentative de comprendre ce qui se passe. Je crois que l’album précédent me représentait en train de penser « c’est quoi ce bazar à travers le monde, qu’est-ce qui va arriver à mes enfants et la prochaine génération ? » Mais dans mon nouveau disque, nous nous retrouvons encore plus dans le pétrin. Je pense que, quel que soit ton bord politique, tu regardes autour de toi et tu te demandes où on va, et tu n’es pas satisfait de la direction prise. Tu regardes les gens que tu aimes, tu regardes vers le passé et vers le futur, tout ceci se retrouve dans mon processus d’écriture. Alors oui, c’est ambitieux. Mais ça constitue une manière de partage ce que tu penses. Et peut-être aussi un mécanisme de survie ? Je suis un compositeur mélancolique, mais je suis généralement quelqu’un de positif quand il s’agit de la vie quotidienne.
Ce disque est un concept album, ou les chansons sont-elles juste plus ou moins reliées l’une à l’autre ?
Je pense qu’elles sont connectées. Surtout parce que chaque partie de cet album se réfère à une expérience personnelle. Je ne suis pas capable de créer ex-nihilo. Je dois réfléchir à des choses que j’ai expérimentées, me plonger profondément dans mon art et mon âme. C’est ça que j’aime chanter. Donc chaque disque constitue l’instantané de la période de deux ans qui a été nécessaire pour finaliser chacun d’entre eux. On peut donc dire que mon dernier est un concept album, avec des chansons qui se répondent, parlent notamment du fait d’obéir aux ordres, de laisser faire sans réagir, de courage moral. Ce qui est bien sûr une autocritique, puisque je ne descends pas dans la rue pour protester, j’écris juste des chansons. Je suis aussi coupable que n’importe qui quand je ne réagis pas.
Du coup, peut-on aussi dire que les deux derniers albums de PINEAPPLE THIEF sont eux aussi reliés ? L’avant-dernier s’appelle « It Leads To This » et le dernier « Far And Wide » (« ça mène à ça » et « partout »)…
Je viens juste de m’en apercevoir ! « It Leads To This » conservait encore un peu d’espoir. On en trouve encore un peu dans « Far And Wide », mais le constat, c’est surtout « mais où en sommes-nous arrivés ? », « pourquoi en 2026 l’humanité se fait-elle toujours la guerre », « pourquoi autant de pauvreté ?», « pourquoi n’avons-nous pas progressé ? » J’espère que dans 10 ou 20 ans, nous pourrons nous tourner vers le passé, et dire « nous nous en sommes sortis, mais quelle folie à l’époque ! » J’espère vraiment que dans 10 ans, je pourrai écrire un disque optimiste.
Ton inquiétude sur l’état du monde est partagée par de nombreux artistes en ce moment…
Oui, et ce que je retiens, c’est que, quand tu en parles dans tes chansons, que tu partages tes pensées avec d’autres personnes, ça s’avère très positif. Nous partageons cette foi dans l’humanité, la bonté, l’espérance d’un avenir meilleur. Tu t’aperçois aussi qu’une petite minorité des gens s’est emparée du pouvoir, et c’est elle qui prend ces décisions avec malheureusement des complices pour suivre ses ordres. Je crois donc qu’en parler et partager avec d’autres a un effet cathartique, pas seulement pour moi, mais aussi pour l’auditeur.
Il parait que tu voulais que le processus d’enregistrement de cet album soit plus simple que par le passé ?
Oui, et pour plusieurs raisons. Nous nous sentons mieux quand nous jouons en concert, la musique accroche davantage avec le public. Et nous nous sommes demandé pourquoi. Je crois que c’est très courant pour un groupe de ressentir ça, et de se poser la question de comment retranscrire l’énergie ressentie lors d’un show dans un studio. Nous avons donc décidé d’utiliser l’approche qui était celle des groupes dans les années 70 : jouer live en studio, et ne pas multiplier les overdubs à l’infini. Par exemple, n’enregistrer que deux guitares, puisque nous n’avons que deux guitaristes sur scène. Ca nous a obligé à travailler plus dur. J’ai récemment remixé des albums de JETHRO TULL. C’était juste un groupe en studio avec un guitariste et des claviers, et ils créaient une musique tellement géniale ! J’ai vraiment appris quelque chose à cette occasion.
Tu as bossé sur quels JETHRO TULL ?
J’ai pris le relais de Steven Wilson (de PORCUPINE TREE), qui s’est occupé des albums des années 70, et qui s’est arrêté juste avant « Under Wraps » (1984), un des disques les plus controversés du groupe. Celui-là était pour moi. C’est un opus très électronique, avec des boîtes à rythme. Mais même ainsi, tu sens qu’on à affaire à un groupe, avec des vocaux, des guitares, la flûte, etc, et ça sonne bien. J’ai aussi travaillé sur «Dot Com » (1999), et je suis actuellement sur « Crest Of A Knave » (1987), même si ça n’a pas été officiellement annoncé. La musique de JETHRO TULL est donc bien présente dans ma tête, et j’ai trouvé que collaborer avec Ian Anderson était vraiment stimulant, lui me racontant comment il procédait en studio dans les années 70 et 80, avant d’acheter le sien.
Revenons à votre processus de création…
Au début de PINEAPPLE THIEF, c’était plus un projet solo : je faisais tout ! Puis la situation a évolué, mais je crois que nous ne sommes devenus un groupe qu’avec l’arrivée de Gavin Harrison, en 2016. Depuis, j’ai peu à peu lâché du lest, abandonnant ce rôle d’auteur (il emploie le mot français), qui veut tout contrôler. Et avec ce disque, j’ai vraiment laissé une liberté totale aux autres. Je dis toujours à Gavin, « fais ce que tu veux ! » Je ne vais pas lui apprendre à jouer de la batterie, ou lui demander de jouer de telle ou telle façon. Pareil pour les parties de basse, où je m’investissais beaucoup autrefois. Maintenant, je dis, « faites comme vous le sentez, c’est aussi votre groupe ». Et fort heureusement, il arrive très rarement qu’on n’apprécie pas ce qu’on fait, où l’on se sente obligé de dire « non, là, ça ne va pas ». Le groupe change, et tout le monde y contribue.
Le fait que les musiciens du groupe n’aient pas changé depuis une dizaine d’années doit y contribuer, vous vous sentez tous davantage en confiance ?
Oh oui ! Dix ans, c’est long. Nous avons beaucoup tourné, nous passons de longs moments ensemble dans les bus ou les backstages, donc on se connait bien. On est très honnêtes entre nous, et il n’y a pas d’histoire d’égo. On peut se parler, on évite les frictions.
On entend des parties de guitare assez étonnantes dans l’album. Par exemple, dans « Hold The Ashes », on a parfois l’impression d’entendre du violon ou du saxo, mais c’est bel et bien ta guitare, si l’on en croit la vidéo…
On m’a donné une nouvelle guitare, et ça m’a beaucoup stimulé. Je dois aussi remercier Gavin, qui a un peu changé mon approche de l’instrument. Il m’a incité à créer davantage de solos, et ça m’a donné confiance. Je ne suis pas le plus grand prodige du monde, je suis incapable de balancer un million de notes à la seconde, mais je me suis rendu compte que je pouvais livrer des parties intéressantes et mélodiques. Les sons qui ressemblent à du violon ou du sax sont créés par des pédales d’effets mais, à la base, ça sort bien de ma guitare.
Toujours à propos de choses vues sur vos vidéos, tu as peut-être des anecdotes sur le tournage de celle de « New World Order », où tu passes ton temps immergé jusqu’à la taille dans une piscine ? J’espère qu’elle a été tournée en été ?
Non, plutôt en avril, et on se les gelait ! Nous avons réalisé de rang les trois vidéos tirées de l’album. Et comme les gens préfèrent les clips où figure le groupe, nous avons décidé de les faire à l’ancienne, un peu comme dans les vieux DURAN DURAN. A la fin de la séance pour « New World Order », le réalisateur m’a demandé de me tenir debout dans la piscine, puis de tomber en arrière et de ne plus bouger. En fait, c’est très difficile à faire, et j’avais très froid, surtout qu’il m’a fait recommencer trois fois. J’étais content que ce soit fini, j’ai pu aller me réchauffer et prendre une bière.
Que peux-tu nous dire sur la tournée à venir, où nous aurons droit à « une soirée avec PINEAPPLE THIEF » ?
Il n’y aura pas de premières parties, parce que nous pensons que, souvent, ça fatigue plus le public qu’autre chose. Il y a aussi eu débat au sein du groupe sur la durée que doit avoir un concert. Ma femme me dit qu’elle n’a aucune envie d’assister à un concert de 3 heures, même si elle adore l’artiste. D’autres personnes m’assurent que 2 heures, ce n’est pas assez. C’est assez difficile de trancher, mais je pense que nous resterons légèrement en-dessous des 2 heures de spectacle. Nous sommes actuellement en pleines répétitions, et on travaille bien sûr beaucoup de nouveaux titres. Mais nous possédons désormais un répertoire conséquent, et ce sera sympa de rejouer quelques morceaux pas entendus depuis longtemps…
Une question d’histoire pour conclure. Le nom du groupe, PINEAPPLE THIEF, vient bien d’un obscur film américain de 1997 intitulé « Le secret du bayou » ?
Oui, c’est vrai. Ce qui s’est passé, c’est qu’au début, en 1999, je ne pensais absolument pas monter un groupe. Il devait juste y avoir un album, et c’est tout. Mais le label, une toute petite boite appelée Cyclops, m’a réclamé un nom. J’étais bien embêté, jusqu’à ce que je regarde ce film avec ma copine où, à moment donné, un personnage vole un ananas. Je me suis dit que le « voleur d’ananas », ça collait bien. Ce ne devait être que pour un album. Mais 27 ans plus tard, je suis encore en train d’en parler avec toi ! Le label voulait aussi que ce premier album fasse référence à mon groupe précédent, VULGAR UNICORN. On a donc appelé l’album « Abducting The Unicorn » !
